Das Werkverzeichnis gibt Einblick in verschiedene Serien und Schaffensphasen.
Zwischen figurativer Abstraktion, Pop-Art, geometrischer Reduktion und expressiver Farbigkeit entstehen Bildwelten über Identität, Körperlichkeit, Beziehung und Transformation.
Serie
States of Grace
Die Serie States of Grace untersucht Anmut nicht als idealisierte Schönheit, sondern als Zustand zwischen Körperlichkeit, Distanz, Fragmentierung, Schutz und Präsenz. Die Arbeiten bewegen sich zwischen geometrischer Figuration, reduzierter Formensprache und der Spannung zwischen Stärke, Verletzlichkeit und innerer Haltung.
Untouchable Grace
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische geometrische Figuration
2022, 1.900 €
„Untouchable Grace“ zeigt eine frontal angelegte Figur, deren Gesicht durch klare Farbflächen und eine markante schwarze Brillenform geprägt wird. Die Komposition ist stark reduziert und zugleich von großer visueller Präsenz.
Die dunkle Brille wird zum beherrschenden Element des Bildes. Sie verdeckt den Blick und schafft damit eine deutliche Distanz zwischen Figur und betrachtender Person. Was sonst Verbindung herstellen könnte, bleibt verschlossen. Gerade dadurch entsteht eine Spannung zwischen Nähe und Unnahbarkeit.
Die vertikale Teilung des Gesichts verstärkt diesen Eindruck. Rot, Blau, Weiß, Orange und Gelb treten in klar voneinander abgegrenzten Flächen auf und verleihen der Figur eine präzise, fast architektonische Struktur. Die Farbigkeit wirkt kontrolliert und kraftvoll, ohne die stille Geschlossenheit der Komposition aufzulösen.
„Untouchable Grace“ beschäftigt sich mit Erscheinung, Schutz und kontrollierter Sichtbarkeit. Das Werk zeigt Präsenz nicht als Offenlegung, sondern als bewusste Setzung von Distanz. Zwischen grafischer Klarheit, farblicher Stärke und verdecktem Blick entsteht eine Figur, die sichtbar ist und sich zugleich entzieht.
Fragmented Grace
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische geometrische Figuration
2024, 1.700 €
„Fragmented Grace“ bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Anwesenheit und Abwesenheit. Die Figur tritt deutlich hervor und entzieht sich zugleich einer vollständigen Erfassung. Was sichtbar wird, erscheint nie ganz abgeschlossen, sondern bleibt in Bewegung.
Die reduzierten Formen und die konzentrierte Farbigkeit verleihen dem Werk eine stille Präsenz. Gleichzeitig öffnen die fragmentierten Bereiche einen Raum für Assoziationen und lassen unterschiedliche Lesarten entstehen. Das Bild erzählt nicht von einem festen Zustand, sondern von einem fortwährenden Prozess des Sichtbarwerdens.
Zwischen Klarheit und Offenheit, Form und Auflösung entfaltet sich eine Bildsprache, die weniger Antworten gibt als Fragen stellt. Gerade in dieser Balance entwickelt „Fragmented Grace“ seine besondere Tiefe.
So entsteht ein Werk, das die Aufmerksamkeit nicht durch Lautstärke bindet, sondern durch die Einladung, immer wieder neue Zusammenhänge zwischen dem Sichtbaren und dem Fehlenden zu entdecken.
Divided Grace
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische geometrische Figuration
2024, 1.800 €
„Divided Grace“ zeigt eine Figur zwischen Einheit und Gegensatz. Eine klare Teilung durchzieht das Bild und erzeugt eine Spannung, die auf den ersten Blick sichtbar wird und sich mit längerer Betrachtung weiter entfaltet.
Die reduzierte Formensprache lenkt den Blick auf das Wesentliche. Farbflächen, Konturen und Proportionen treten in einen stillen Dialog und machen sichtbar, wie unterschiedliche Aspekte einer Persönlichkeit gleichzeitig bestehen können.
Die Komposition erzählt nicht von Trennung, sondern von Koexistenz. Gegensätze stehen einander gegenüber, ohne sich auszuschließen. So entsteht ein Bildraum, in dem Unterschiedlichkeit nicht als Widerspruch erscheint, sondern als Teil eines größeren Zusammenhangs.
Mit seiner klaren Struktur und seiner konzentrierten Bildsprache entwickelt „Divided Grace“ eine ruhige, zugleich eindringliche Präsenz und eröffnet einen offenen Raum für Fragen nach Identität, Wandel und Wahrnehmung.
Embodied Grace
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische geometrische Figuration
2021, 1.700 €
„Embodied Grace“ verdichtet Bewegung zu einer einzigen, klaren Geste. Aus Linien, Flächen und Kontrasten entsteht eine Figur, die zugleich körperlich und zeichenhaft erscheint.
Die Komposition lebt von ihrer Reduktion. Nichts lenkt vom Wesentlichen ab. Jede Linie trägt zum Gleichgewicht des Bildes bei und schafft eine Form, die gleichzeitig kraftvoll und leicht wirkt.
Die Figur entfaltet ihre Präsenz nicht durch Detailreichtum, sondern durch Haltung. Zwischen Ruhe und Bewegung, Spannung und Gelassenheit entsteht ein Zustand, der sich einer eindeutigen Festlegung entzieht und gerade dadurch seine Wirkung entfaltet.
So wird „Embodied Grace“ zu einer Reflexion über Anmut als verkörperte Präsenz. Zwischen Spannung und Gelassenheit, Kraft und Verletzlichkeit entsteht eine Figur, die weniger eine Person beschreibt als einen Zustand sichtbar macht.
Entangled Grace
Acryl auf Leinwand, 120 × 100 cm
Zeitgenössische geometrische Figuration
2021, 1.700 €
„Entangled Grace“ zeigt zwei Figuren in einem Moment der Annäherung. Ihre Formen greifen ineinander, begegnen sich und verändern sich gegenseitig, ohne ihre Eigenständigkeit zu verlieren.
Die fließenden Linien und kraftvollen Farbflächen schaffen eine Komposition, in der Beziehung nicht als statischer Zustand erscheint, sondern als lebendiger Austausch. Nähe entsteht hier nicht durch Verschmelzung, sondern durch das Zusammenspiel unterschiedlicher Formen und Bewegungen.
Das Bild bewegt sich zwischen Begegnung und Abgrenzung, zwischen Verbundenheit und Selbstständigkeit. Die Figuren bleiben erkennbar und werden zugleich Teil eines gemeinsamen Ganzen, das mehr ist als die Summe seiner Einzelteile.
So entwickelt „Entangled Grace“ eine Bildsprache, die von Verbindung, gegenseitiger Wahrnehmung und der Schönheit menschlicher Begegnung erzählt.
Suspended Grace
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische geometrische Figuration
2022, 1.400 €
„Suspended Grace“ zeigt eine Figur in einem schwebenden Moment zwischen Rückzug und Verführung. Der Körper ist reduziert, die Linien sind klar gesetzt, und doch entsteht eine unmittelbare sinnliche Präsenz.
Der geneigte Kopf, der offene Blick und die großen ruhigen Flächen erzeugen eine Spannung, die weniger durch Bewegung als durch Haltung entsteht. Die Figur wirkt nahbar und zugleich entzogen, präsent und doch nicht vollständig greifbar.
Die Komposition entfaltet ihre Wirkung aus Zurückhaltung. Nichts ist überzeichnet, nichts wird ausdrücklich erzählt. Gerade dadurch entsteht ein Raum von Anziehung, Körperlichkeit und stiller Intensität.
So wird „Suspended Grace“ zu einer Arbeit über Sinnlichkeit als Zustand: ruhig, konzentriert und von einer verführerischen Präsenz getragen. Rückzug und in der stillen Präsenz eines Körpers, der sich selbst genug ist.
The Lightness of the Graces
Acryl auf Leinwand, 140 × 70 cm
Zeitgenössische figurative Malerei mit grafischer Reduktion und rhythmischer, dekorativer Komposition
2024, 1.400 €
„The Lightness of the Graces“ zeigt fünf Figuren in einem Zustand schwebender Bewegung. Vor einem warmen, goldenen Hintergrund entfalten sich ihre Gesten und Körperhaltungen wie einzelne Momente eines leisen Tanzes.
Die Komposition lebt von Wiederholung und Variation. Jede Figur folgt einer eigenen Bewegung, bleibt jedoch Teil eines gemeinsamen Rhythmus. Die farbig schimmernden Kleider setzen lebendige Akzente und verleihen dem Bild eine besondere Leichtigkeit, ohne die ruhige Gesamtwirkung zu unterbrechen.
Der goldene Grund schafft eine warme, fast zeitlose Atmosphäre. Er trägt die Figuren, ohne sie festzuhalten, und lässt zwischen ihnen einen offenen Raum entstehen. Dadurch wirkt das Werk nicht statisch, sondern wie ein angehaltener Augenblick voller Balance, Anmut und innerer Bewegung.
„The Lightness of the Graces“ beschäftigt sich mit Leichtigkeit als Form von Präsenz. Das Werk erzählt von Bewegung, Zusammenklang und der feinen Kraft einer Gruppe, die nicht durch Gleichförmigkeit verbunden ist, sondern durch Rhythmus, Haltung und gemeinsame Ausstrahlung.
Serie
In Plain Sight
In Plain Sight beschäftigt sich mit Sichtbarkeit, Ordnung und Abweichung. Die Arbeiten zeigen Figuren, Gesichter und Blickstrukturen, die zugleich individuell und Teil eines größeren Systems erscheinen. Wiederholung, Verdichtung und Verschiebung machen sichtbar, wie Präsenz innerhalb von Gruppen entsteht, gestört oder neu geordnet wird.
The Present Ones
Acryl auf Leinwand, 140 × 70 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit Fokus auf kollektive Bildstrukturen und visuelle Beziehungssysteme.
2024, 1.400 €
„The Present Ones“ zeigt eine Gruppe von Figuren, die dicht nebeneinander im Bildraum erscheinen. Ihre Formen wiederholen sich, variieren jedoch in Farbe, Ausrichtung und innerer Struktur. Aus dieser Abfolge entsteht eine Komposition, die zugleich geordnet und lebendig wirkt.
Die gelben Augen bilden das zentrale verbindende Element. Sie treten aus den dunklen und blauen Farbflächen hervor und schaffen eine unmittelbare Präsenz. Jeder Blick wirkt eigenständig, bleibt jedoch Teil eines gemeinsamen Rhythmus, der sich über die gesamte Bildfläche spannt.
Die Komposition lebt vom Wechselspiel zwischen Wiederholung und Unterschied. Die Figuren stehen nah beieinander, ohne vollständig ineinander aufzugehen. Dadurch entsteht ein Bildraum, in dem Anwesenheit nicht als einzelner Zustand erscheint, sondern als gemeinsames Gefüge aus Nähe, Sichtbarkeit und individueller Abweichung.
„The Present Ones“ beschäftigt sich mit Präsenz, Wahrnehmung und der Frage, wie Einzelne innerhalb einer Gruppe sichtbar werden. Das Werk zeigt nicht eine geschlossene Ordnung, sondern eine Vielzahl von Erscheinungen, die gemeinsam einen intensiven, wachsamen Bildraum bilden.
The Other in the Line
Acryl auf Leinwand, 100 × 50 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit Fokus auf kollektive Bildstrukturen und visuelle Beziehungssysteme.
2020, 1.750 €
„The Other in the Line“ zeigt eine Reihe stilisierter Gesichter, die in einer klaren, rhythmischen Ordnung nebeneinander angeordnet sind. Innerhalb dieser Struktur tritt eine einzelne rote Figur deutlich hervor und unterbricht die sonst überwiegend kühle Farbigkeit aus Blau-, Weiß- und Gelbtönen.
Die Komposition lebt von Wiederholung und Abweichung. Die Figuren folgen einem gemeinsamen formalen Prinzip, unterscheiden sich jedoch in kleinen Verschiebungen, Blickrichtungen und Farbsetzungen. Die zentrale rote Form wird dadurch nicht isoliert, sondern als sichtbare Differenz innerhalb eines bestehenden Gefüges erfahrbar.
Die gelben Augen bilden wiederkehrende Bezugspunkte und verstärken den Eindruck einer gemeinsamen Ordnung. Gleichzeitig lenkt die rote Figur den Blick auf die Frage, was geschieht, wenn innerhalb einer Reihe ein Element aus dem Muster herausfällt und dennoch Teil der Gesamtstruktur bleibt.
„The Other in the Line“ beschäftigt sich mit Zugehörigkeit, Sichtbarkeit und Differenz. Das Werk zeigt Anderssein nicht als bloßen Gegensatz zur Gruppe, sondern als Moment, der die Ordnung des Ganzen sichtbar macht und hinterfragt.
The Stranger in the Line
Acryl auf Leinwand, 100 × 50 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit Fokus auf kollektive Bildstrukturen und visuelle Beziehungssysteme.
2020, 2.000 €
„The Stranger in the Line“ zeigt eine Reihe stilisierter Gesichter, die in einer klaren, rhythmischen Ordnung nebeneinander erscheinen. Die kühlen Blau- und Violetttöne bestimmen den Bildraum und schaffen eine ruhige, fast systematische Struktur.
Inmitten dieser Ordnung tritt eine einzelne rote Figur deutlich hervor. Sie folgt zwar derselben formalen Logik wie die übrigen Gestalten, wirkt jedoch zugleich fremd, isoliert und schwer integrierbar. Gerade diese Spannung zwischen Zugehörigkeit und Distanz bildet den Kern des Werkes.
Die gelben Augen ziehen sich als wiederkehrende Zeichen durch die Komposition. Sie verbinden die Figuren miteinander und verstärken gleichzeitig den Eindruck einer wachsamen, beinahe prüfenden Anwesenheit. Der Blick wandert entlang der Reihe und bleibt doch immer wieder an der roten Figur hängen.
„The Stranger in the Line“ beschäftigt sich mit Fremdheit, Sichtbarkeit und der Frage, wie ein einzelnes Element eine bestehende Ordnung verändert. Das Werk zeigt Anderssein nicht als lauten Bruch, sondern als stille Irritation innerhalb eines Systems, das auf Wiederholung, Nähe und formale Einheit angelegt ist.
Compression I
Acryl auf Leinwand, 120 × 100 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit Fokus auf kollektive Bildstrukturen und visuelle Beziehungssysteme.
2022, 1.700 €
„Compression I“ zeigt einen Bildraum, in dem sich mehrere Gesichter, Fragmente und Blicke zu einer verdichteten Einheit zusammenfügen. Die einzelnen Formen bleiben sichtbar und eigenständig, treten zugleich jedoch in einen gemeinsamen Zusammenhang ein, der neue Beziehungen entstehen lässt.
Die leuchtenden Augen durchziehen die Komposition wie wiederkehrende Bezugspunkte. Sie verbinden die verschiedenen Ebenen des Bildes und schaffen eine unmittelbare Präsenz, die den Blick festhält und durch die Komposition führt.
Verdichtung erscheint hier nicht als Verlust von Individualität, sondern als Zustand gemeinsamer Anwesenheit. Unterschiede bleiben bestehen und werden zugleich Teil eines größeren Ganzen. Zwischen Nähe und Distanz, Eigenständigkeit und Verbindung entsteht eine Spannung, die das Bild in Bewegung hält.
So entwickelt „Compression I“ eine Bildsprache, die gleichermaßen klar und vielschichtig wirkt und immer neue Zusammenhänge zwischen den sichtbaren Fragmenten erkennen lässt.
Compression II
Acryl auf Leinwand, 120 × 100 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit Fokus auf kollektive Bildstrukturen und visuelle Beziehungssysteme.
2022, 1.900 €
„Compression II“ zeigt einen Bildraum, in dem sich unterschiedliche Präsenzen zu einer gemeinsamen Struktur verdichten. Gesichter und Fragmente treten miteinander in Beziehung, überlagern sich und bilden ein Gefüge, das zugleich vielschichtig und überraschend geschlossen erscheint.
Die leuchtenden Augen durchziehen die Komposition wie verbindende Bezugspunkte. Sie schaffen Orientierung, lenken den Blick durch das Bild und machen aus einzelnen Formen ein größeres Ganzes.
Verdichtung erscheint hier nicht als Verlust von Individualität, sondern als Ausdruck von Nähe, Wechselwirkung und gemeinsamer Gegenwart. Die einzelnen Figuren bleiben erkennbar, werden jedoch Teil eines Bildraums, der von Beziehung und Zusammengehörigkeit geprägt ist.
So entwickelt „Compression II“ eine Bildsprache, die Klarheit und Komplexität miteinander verbindet und immer neue Spannungen zwischen dem Sichtbaren und dem Verborgenen entstehen lässt.
Interwoven Presence
Acryl auf Leinwand, 140 × 70 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit Fokus auf kollektive Bildstrukturen und visuelle Beziehungssysteme.
2022, 1.400 €
„Interwoven Presence“ erzählt von Anwesenheit als etwas Geteiltem. Mehrere Gesichter treten in denselben Bildraum ein, berühren sich visuell, überlagern sich und bleiben dennoch eigenständig.
Die Linien fließen von einer Figur zur nächsten, Farben greifen ineinander, Blicke öffnen unterschiedliche Richtungen. Aus diesen Verbindungen entsteht ein Gefüge, das weniger von Abgrenzung als von Beziehung geprägt ist.
Die Komposition wirkt dicht und zugleich rhythmisch. Sie zeigt nicht einzelne Figuren nebeneinander, sondern ein Netzwerk von Präsenzen, das sich über den gesamten Bildraum spannt. Nähe entsteht hier nicht durch Verschmelzung, sondern durch das fortwährende Ineinandergreifen unterschiedlicher Formen.
So entwickelt „Interwoven Presence“ eine Bildsprache, die von Verbindung, Wahrnehmung und gemeinsamer Gegenwart erzählt. Das Werk macht sichtbar, wie Identität nicht isoliert erscheint, sondern im Austausch mit anderen Kontur gewinnt.
Trembling Silence
Acryl auf Leinwand, 70 × 140 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit Fokus auf kollektive Bildstrukturen und visuelle Beziehungssysteme.
2025, 2.100 €
„Trembling Silence“ zeigt eine schwarze, vieläugige Gestalt, deren Oberfläche von roten, hornartigen Formen durchzogen ist. Die Figur wirkt geschlossen und schwer, zugleich aber innerlich bewegt, als würde unter ihrer Oberfläche eine Spannung weiterarbeiten.
Die zahlreichen Augen erzeugen eine Atmosphäre permanenter Wahrnehmung. Sie blicken aus unterschiedlichen Bereichen der Gestalt hervor und verwandeln die schwarze Form in ein waches, schwer zu fassendes Wesen. Die roten Zeichen setzen rhythmische Impulse und lassen die Ruhe der Komposition ins Vibrieren geraten.
Über der großen Gestalt erscheint eine kleine, reduzierte Figur. Sie steht in deutlichem Abstand und bleibt dennoch Teil des Bildgeschehens. Zwischen beiden entsteht ein Verhältnis von Nähe und Distanz, von Ausgesetztsein und Gegenüberstellung.
Die stilisierten Hufe beziehungsweise Füße am unteren Rand geben der Gestalt eine körperliche Präsenz. Sie verankern das Wesen im Bildraum und verstärken den Eindruck von Last, Standhaftigkeit und angespannter Stille.
So entwickelt „Trembling Silence“ eine Bildsprache über Beobachtung, innere Unruhe und das Gewicht des Ungesagten. Das Werk bleibt still, aber nicht ruhig. Es zeigt eine Ruhe, die zittert.
Serie
States of Desire
Die Werkgruppe States of Desire untersucht Begehren als sichtbaren Impuls zwischen Oberfläche, Körperlichkeit und kulturellem Zeichen. Lippen, offene Münder, intensive Farben und gezielte Irritationen werden zu Bildzeichen für Anziehung, Reiz, Projektion und innere Entladung.
Wild Taste
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Contemporary Neo‑Pop mit expressiver Figuration und surrealen Verschiebungen
2023, 1.900 €
„Wild Taste“ setzt auf eine klare, reduzierte Bildsprache mit unmittelbarer visueller Wirkung. Vor einem tiefblauen Hintergrund treten rote Lippen und ein schwarz-weißes Streifenmotiv deutlich hervor und verdichten sich zu einer prägnanten, fast zeichenhaften Komposition.
Die Arbeit lebt vom Kontrast zwischen vertrauter Form und irritierender Verschiebung. Was zunächst als ikonisches Motiv erscheint, wird durch das animalisch anmutende Streifenmuster gebrochen und erhält dadurch eine zweite, unruhigere Ebene. Zwischen grafischer Klarheit und unerwarteter Verfremdung entsteht eine Spannung, die den Blick festhält.
Die Farbigkeit ist bewusst konzentriert: Rot, Blau, Schwarz und Weiß erzeugen eine starke Fernwirkung und verleihen dem Werk eine plakative Präsenz. Gleichzeitig bleibt die Komposition offen genug, um Fragen nach Oberfläche, Reiz, Inszenierung und Wahrnehmung entstehen zu lassen.
„Wild Taste“ bewegt sich zwischen Pop-Art, Symbol und kontrollierter Irritation. Das Werk zeigt Anziehung nicht als Erzählung, sondern als visuelles Zeichen, das direkt wirkt und zugleich durch seine formale Verschiebung eine vielschichtige Lesart eröffnet.
Seduction in Gold
Acryl auf Leinwand, 120 × 100 cm
Contemporary Pop Art (Neo-Pop) mit minimalistisch-figurativer und ikonischer Bildsprache
2022, 1.700 €
„Seduction in Gold“ reduziert das Motiv der Verführung auf wenige prägnante Elemente: rote Lippen, weiße Zähne, schwarze Konturen und einen leuchtenden Goldgrund. Aus dieser klaren Setzung entsteht eine Bildsprache, die unmittelbar wirkt und zugleich mit Symbolen von Anziehung, Oberfläche und Inszenierung spielt.
Die Lippen erscheinen nicht als Teil eines Gesichts, sondern als eigenständiges Zeichen. Herausgelöst aus einem konkreten Zusammenhang werden sie zu einem Bildobjekt zwischen Pop, Begehren und visueller Behauptung. Der Goldgrund verstärkt diese Wirkung und verleiht der Komposition eine zugleich kostbare und distanzierte Präsenz.
Die Reduktion macht das Werk eindeutig und offen zugleich. Was auf den ersten Blick als klares Symbol erscheint, verweist bei längerer Betrachtung auf Fragen nach Blick, Wirkung und Projektion. Anziehung wird hier nicht erzählt, sondern als visuelles Signal gesetzt.
„Seduction in Gold“ bewegt sich zwischen Pop-Art, Symbol und Oberfläche. Das Werk entfaltet seine Kraft aus der Spannung zwischen grafischer Klarheit, intensiver Farbe und der schillernden Wirkung des Goldes.
Too Provocative to Be Ignored
Acryl auf Leinwand, 140 × 70 cm
Contemporary Pop Art mit konzeptuellen Einflüssen
2021, 1.800 €
„Too Provocative to Be Ignored“ setzt auf eine Bildsprache, die sich der Aufmerksamkeit nicht entzieht. Große rote Lippen stehen im Zentrum der Komposition und werden von kräftigen Musterflächen, Punkten, Streifen, Herzen und wolkenartigen Formen umgeben.
Die Arbeit bewegt sich deutlich im Umfeld der Pop-Art, ohne sich auf reine Wiederholung bekannter Bildcodes zu beschränken. Farbe, Form und Muster werden so verdichtet, dass eine visuelle Übersteigerung entsteht. Das Bild wirkt unmittelbar, laut und bewusst gesetzt, bleibt dabei aber klar strukturiert.
Die Lippen erscheinen nicht als Teil eines Porträts, sondern als eigenständiges Zeichen. Sie stehen für Anziehung, Kommunikation, Oberfläche und Inszenierung. Gleichzeitig verweist die Kombination aus dekorativen Mustern und intensiver Farbigkeit auf eine Bildwelt, in der Reiz, Sichtbarkeit und Wiedererkennbarkeit eng miteinander verbunden sind.
„Too Provocative to Be Ignored“ beschäftigt sich mit der Frage, wie Aufmerksamkeit erzeugt wird und welche Rolle visuelle Überhöhung dabei spielt. Das Werk ist direkt, plakativ und bewusst präsent. Gerade aus dieser offensiven Klarheit entsteht eine vielschichtige Auseinandersetzung mit Blick, Wirkung und kulturellen Zeichen von Darstellung.
Inner Outcry
Acryl auf Leinwand, 50 × 70 cm
Contemporary Neo‑Pop mit expressiver Figuration und surrealen Verschiebungen
2022, 1.050 €
„Inner Outcry“ zeigt einen Moment innerer Entladung. Die Figur ist aus kräftigen Farbflächen, harten Konturen und verzerrten Formen aufgebaut, die sich zu einem Bildraum voller Spannung verdichten.
Im Zentrum steht die offene Mundform, die wie ein visuelles Echo durch die gesamte Komposition wirkt. Die spiralförmigen Augen und die aufgebrochenen Gesichtspartien verstärken den Eindruck einer Wahrnehmung, die nicht mehr eindeutig geordnet erscheint.
Das Werk spricht von einem Druck, der sich nicht länger im Inneren halten lässt. Was verborgen war, tritt nach außen, nicht als klare Aussage, sondern als rohe, vielschichtige Bewegung.
So entwickelt „Inner Outcry“ eine Bildsprache, die zwischen innerem Aufruhr, Kontrollverlust und präziser formaler Setzung steht. Die Arbeit wirkt direkt, körperlich und zugleich offen genug, um unterschiedliche Lesarten von Spannung, Begehren und innerer Stimme zuzulassen.
Red Pulse
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische grafisch-abstrahierte figurative Malerei mit Fokus auf Körperdarstellung und intensiver Farbbetonung
2022, 1.300 €
„Red Pulse“ zeigt Präsenz als Zusammenspiel von Körper, Linie und farblichem Signal. Helle Flächen, schwarze Konturen und gezielte rote Akzente verbinden sich zu einer Komposition, die zugleich reduziert und unmittelbar wirkt.
Die Figur erscheint nicht naturalistisch, sondern als rhythmisches Gefüge aus Formen, Linien und Spannungen. Die roten Akzente bündeln den Blick und erzeugen eine visuelle Energie, die durch die gesamte Komposition pulsiert. Sie wirken wie markante Bezugspunkte, ohne die Offenheit des Bildes aufzuheben.
Die große Hand über der Stirn, die klar gesetzten Konturen und die betonten Formen schaffen eine Bildsprache, die zwischen Nähe, Selbstpräsenz und Inszenierung vermittelt. Reiz entsteht hier nicht durch erzählerische Ausführlichkeit, sondern durch Reduktion, Farbe und die präzise Setzung einzelner Bildelemente.
„Red Pulse“ beschäftigt sich mit Körperlichkeit als sichtbarer Kraft und mit der Spannung zwischen Offenheit und Selbstbehauptung. Das Werk bleibt klar in seiner Form und entwickelt gerade dadurch eine konzentrierte, nachhaltige Präsenz.
Sweet Exposure
Acryl auf Leinwand, 100 × 100 cm
Zeitgenössische pop-inspirierte symbolische Abstraktion mit ikonischem Zentralmotiv
2021, 1.100 €
„Sweet Exposure“ zeigt einen Moment radikaler Sichtbarkeit. Kräftige Rot- und Rosétöne, klare Konturen und strahlenartige Formen verdichten sich zu einer Komposition, die zugleich offen, geschützt und inszeniert wirkt.
Die zentrale Form steht im Mittelpunkt des Bildes und wird von der umgebenden Farbarchitektur hervorgehoben und gehalten. Dadurch entsteht ein Spannungsfeld zwischen Innen und Außen, Nähe und Distanz, Offenbarung und Selbstbestimmung.
Die Bildsprache ist bewusst direkt, bleibt jedoch nicht eindimensional. Hinter der plakativen Farbwirkung öffnet sich eine zweite Ebene, die nach dem Verhältnis von Wahrnehmung, Körperzeichen und kultureller Codierung fragt.
So entwickelt „Sweet Exposure“ eine Bildsprache, die Sichtbarkeit nicht als bloße Darstellung versteht, sondern als bewussten Akt. Das Werk verbindet Pop-Art-nahe Kraft mit einer sensiblen Reflexion über Offenheit, Schutz und Selbstbehauptung.
Serie
Relational Bodies
Relational Bodies versammelt Arbeiten, in denen Körper nicht isoliert erscheinen, sondern im Verhältnis zueinander sichtbar werden. Nähe, Berührung, Begegnung, Schutz und Verschmelzung werden nicht erzählerisch dargestellt, sondern durch Linien, Flächen, Hände und ineinandergreifende Formen erfahrbar gemacht.
Between Us
Acryl auf Leinwand, 120 × 100 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit grafisch‑expressivem Charakter und Anklängen an Pop‑Art
2021, 1.650 €
„Between Us“ zeigt zwei Figuren, die nebeneinander im Bildraum erscheinen und durch ihre Nähe, ihre unterschiedlichen Ausdrucksformen und eine zentrale Geste miteinander in Beziehung treten. Ihre Gesichter sind aus klaren Farbflächen, starken Konturen und fragmentierten Formen aufgebaut, wodurch Individualität und Verbindung gleichzeitig sichtbar werden.
Die Komposition lebt vom Raum zwischen den beiden Figuren. Sie stehen nah beieinander, bleiben jedoch eigenständig. Zwischen ihnen erscheint eine große weiße Hand, die den Bildraum öffnet und zugleich wie ein Zeichen von Kontakt, Grenze oder möglicher Annäherung wirkt.
Der warme, rot strukturierte Hintergrund verstärkt die Intensität der Szene. Die kräftigen Blau-, Gelb-, Rot- und Weißflächen der Figuren treten deutlich hervor und verleihen dem Werk eine unmittelbare visuelle Präsenz. Gleichzeitig bleibt offen, was zwischen den Figuren geschieht: Nähe, Unsicherheit, Verbindung oder unausgesprochene Spannung.
„Between Us“ beschäftigt sich mit dem Raum zwischen zwei Menschen. Das Werk zeigt Beziehung nicht als eindeutige Erzählung, sondern als Zusammenspiel von Blick, Geste, Nähe und Distanz.
So entwickelt „Between Us“ eine Bildsprache über Begegnung, Wahrnehmung und die feinen Zwischenräume, in denen Verbindung entstehen kann. Nähe erscheint hier nicht als abgeschlossener Zustand, sondern als offener Moment zwischen zwei eigenständigen Präsenzen.
Within The Other
Acryl auf Leinwand, 100 × 100 cm
Zeitgenössische abstrakt-figurative Malerei mit Fokus auf Körperfragmentierung und innerer Relationalität
2022, 1.600 €
„Within The Other“ zeigt ein dichtes Gefüge aus Körperformen, Händen und fragmentierten Blicken. Die einzelnen Elemente greifen ineinander, überlagern sich und bilden eine Komposition, in der Nähe nicht als eindeutige Szene erscheint, sondern als vielschichtiger Bildraum.
Die warmen Braun-, Beige- und Erdtöne verleihen dem Werk eine ruhige, körperliche Präsenz. Klare schwarze Konturen strukturieren die Formen, während rote Akzente den Blick bündeln und der Komposition eine intensive innere Spannung geben.
Besonders prägend sind die Hände, die an mehreren Stellen in das Bild eingreifen. Sie wirken haltend, tastend und verbindend. Dadurch entsteht der Eindruck einer Beziehung, die nicht nur gezeigt, sondern körperlich erfahrbar gemacht wird. Die Formen bleiben unterscheidbar und gehen zugleich ineinander über.
„Within The Other“ beschäftigt sich mit Nähe, Durchlässigkeit und dem Moment, in dem sich Grenzen zwischen zwei Präsenzen verschieben. Das Werk zeigt Verbindung nicht als vollständige Verschmelzung, sondern als ein Ineinander, in dem Eigenständigkeit und Verbundenheit gleichzeitig bestehen.
So entsteht eine Bildsprache, die von Berührung, Schutz und gegenseitiger Wahrnehmung erzählt. „Within The Other“ macht sichtbar, dass Nähe nicht nur im Gegenüber entsteht, sondern auch in dem Raum, den zwei Formen miteinander teilen.
Gentle Revelation
Acryl auf Leinwand, 100 × 100 cm
Contemporary graphic abstract figurative painting with bold color fields and organic line work
2021, 1.150 €
„Gentle Revelation“ zeigt einen Moment der Nähe, in dem Schutz und Offenheit miteinander in Beziehung treten. Organische Formen greifen ineinander, umschließen einander und schaffen einen Bildraum, der gleichermaßen von Vertrauen und Verletzlichkeit geprägt ist.
Die klaren Konturen und leuchtenden Farbflächen verleihen der Komposition eine unmittelbare Präsenz, während die geschwungenen Formen eine ruhige Dynamik erzeugen. Die einzelnen Elemente wirken nicht voneinander getrennt, sondern stehen in einem fortlaufenden Austausch. Dadurch entsteht der Eindruck eines behutsamen Miteinanders, in dem Wahrnehmung und Berührung eine zentrale Rolle spielen.
Das Werk beschäftigt sich mit den Momenten, in denen Nähe entsteht und gegenseitiges Vertrauen sichtbar wird. Offenheit erscheint dabei nicht als plötzliche Enthüllung, sondern als langsamer Prozess des Sich-Zeigens und des Angenommen-Werdens.
So entwickelt „Gentle Revelation“ eine Bildsprache, die von Verbundenheit, Fürsorge und menschlicher Nähe erzählt und ihre Wirkung gerade aus ihrer Ruhe und Zurückhaltung bezieht.
Toward Each Other (Encounter)
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische organisch-abstrakte figurative Malerei mit narrativer Interaktion und biomorphen Formen
2022, 1.450 €
„Toward Each Other (Encounter)“ zeigt zwei abstrahierte Figuren in einem Moment der Annäherung. Ihre Körperformen sind klar konturiert, farblich voneinander unterschieden und zugleich so angeordnet, dass zwischen ihnen ein gemeinsamer Bewegungsraum entsteht.
Die Komposition lebt von der Spannung zwischen Distanz und Kontakt. Die Figuren scheinen sich einander zuzuwenden, ohne bereits vollständig ineinander überzugehen. Hände, Linien und Körperflächen nähern sich an und lassen den Moment sichtbar werden, in dem Begegnung beginnt.
Die große gelbe Fläche öffnet den Bildraum und wirkt wie ein Feld, in dem sich die beiden Formen aufeinander beziehen. Rot, Grün, Schwarz, Weiß und Grau treten in klare Kontraste und verleihen dem Werk eine starke grafische Präsenz. Trotz der Reduktion entsteht eine lebendige körperliche Dynamik.
„Toward Each Other (Encounter)“ beschäftigt sich mit Nähe als Prozess. Das Werk zeigt nicht die vollzogene Verbindung, sondern den Augenblick davor: das Herantreten, das Sich-Öffnen, das vorsichtige Entstehen eines gemeinsamen Raums.
So entwickelt „Toward Each Other (Encounter)“ eine Bildsprache über Beziehung, Annäherung und den ersten Moment gegenseitiger Wahrnehmung. Nähe erscheint hier nicht als Zustand, sondern als Bewegung aufeinander zu.
Toward Each Other (Fusion)
Acryl auf Leinwand, 70 × 140 cm
Zeitgenössische organisch-abstrakte figurative Malerei mit Schwerpunkt auf Verschmelzung und relationaler Formbildung
2022, 1.400 €
„Toward Each Other (Fusion)“ zeigt zwei abstrahierte Körperformen, die nicht mehr nur aufeinander bezogen sind, sondern in einem gemeinsamen Gefüge miteinander verbunden erscheinen. Klare schwarze Konturen, große Farbflächen und ineinandergreifende Formen verdichten sich zu einer aufrechten, kraftvollen Komposition.
Die Spannung des Werkes entsteht aus dem Verhältnis von Einheit und Unterscheidbarkeit. Einzelne Formen bleiben sichtbar, doch sie lassen sich nicht mehr eindeutig voneinander trennen. Schwarz, Rot, Grün, Gelb und Weiß greifen ineinander und erzeugen einen Bildraum, in dem Nähe nicht als Annäherung, sondern als bereits vollzogener Zustand erscheint.
Besonders prägend ist die vertikale Ausrichtung der Figurengruppe. Sie verleiht dem Werk eine starke körperliche Präsenz und lässt die verschmolzenen Formen wie eine gemeinsame Gestalt wirken. Hände, Körperflächen und farbliche Übergänge werden zu Zeichen von Berührung, Verbindung und gegenseitiger Durchdringung.
„Toward Each Other (Fusion)“ beschäftigt sich mit dem Moment, in dem Beziehung nicht mehr zwischen zwei getrennten Formen verhandelt wird, sondern in eine gemeinsame Form übergeht. Das Werk zeigt Verschmelzung nicht als Verlust, sondern als spannungsreichen Zustand, in dem Eigenständigkeit und Verbundenheit gleichzeitig bestehen.
So entwickelt „Toward Each Other (Fusion)“ eine Bildsprache über Nähe, Körperlichkeit und das Ineinandergreifen zweier Präsenzen. Verbindung erscheint hier nicht als Abschluss, sondern als neue, gemeinsame Form.
Carried by Love
Acryl auf Leinwand, 70 × 140 cm
Zeitgenössische figurativ-symbolische Abstraktion
2022, 1.800 €
„Carried by Love“ zeigt eine kleine Figur, die von einem großen, ballonartigen Körper aus farbigen Herzen getragen wird. Vor dem offenen blauen Hintergrund entsteht eine Bildwelt, die leicht und schwebend wirkt und zugleich von einer stillen inneren Stärke getragen ist.
Die vielen Herzen bilden gemeinsam eine große tragende Form. Jedes einzelne bleibt sichtbar, wird jedoch Teil eines größeren Ganzen. Dadurch entsteht eine Komposition, in der Verbundenheit nicht als einzelne Geste erscheint, sondern als Summe vieler kleiner Zeichen von Nähe, Erinnerung und Zuwendung.
Die reduzierte Figur im Korb wirkt bewusst zurückgenommen. Sie steht nicht im Mittelpunkt einer konkreten Erzählung, sondern wird Teil eines Zustands: getragen zu sein, gehalten zu werden und sich einer Kraft anzuvertrauen, die größer ist als sie selbst.
Der blaue Hintergrund verstärkt den Eindruck von Weite und Schweben. Die feinen Linien zwischen Korb und Herzform verbinden das Kleine mit dem Großen, das Verletzliche mit dem Tragenden, die einzelne Figur mit einem Raum aus Farbe und Bedeutung.
„Carried by Love“ beschäftigt sich mit Verbundenheit, Vertrauen und dem Gefühl, von etwas Unsichtbarem getragen zu werden. Das Werk erzählt nicht laut, sondern leise und unmittelbar. Es macht sichtbar, wie Liebe, Erinnerung und Nähe zu einer tragenden Kraft werden können.
Holding Above
Acryl auf Leinwand, 140 × 70 cm
Zeitgenössische figurative Malerei mit ikonisch‑reduzierter und symbolischer Bildsprache
2024, 1.600 €
„Holding Above“ zeigt einen Moment äußerster Dringlichkeit. In einer reduzierten, nahezu symbolischen Bildsprache wird eine Szene sichtbar, in der eine Person im Wasser nach einem untergehenden Kind greift. Die erhobene Hand steht im Zentrum der Komposition und wird zum Zeichen von Rettung, Verzweiflung, Hoffnung und Ohnmacht zugleich.
Die geschichteten Wasserlinien strukturieren das Bild und erzeugen eine scheinbar ruhige Ordnung, die im starken Gegensatz zur dargestellten Situation steht. Über der Wasseroberfläche erscheinen nur einzelne Fragmente: Köpfe, eine Hand, Zeichen von Körpern im Übergang zwischen Sichtbarkeit und Verschwinden. Gerade diese Reduktion verstärkt die Wirkung des Werkes.
Sonne und Vögel öffnen den Bildraum und geben der Szene eine beinahe archetypische Weite. Gleichzeitig verweist das Mittelmeer als unausgesprochener Ort auf eine Realität, in der Flucht, Verlust und menschliche Verletzlichkeit auf erschütternde Weise miteinander verbunden sind.
„Holding Above“ beschäftigt sich mit dem Moment, in dem jedes Handeln zugleich notwendig und möglicherweise zu spät ist. Das Werk spricht von Schutz, Verantwortung und dem Versuch, ein anderes Leben über der Oberfläche zu halten. Seine Kraft entsteht nicht durch erzählerische Ausführlichkeit, sondern durch die Konzentration auf eine einzige Geste, die lange nachwirkt.
Serie
Fluid Beings
Fluid Beings bewegt sich zwischen organischer Abstraktion, biomorphen Formen und poetischer Offenheit. Die Arbeiten zeigen keine eindeutig festgelegten Figuren, sondern offene Wesen, Systeme und Bewegungen, die zwischen Körper, Zeichen, Vorstellung und innerem Raum entstehen.
The Floating Balance
Acryl auf Leinwand, 50 × 100 cm
Zeitgenössische organisch-abstrakte Malerei mit biomorphen Formen und dynamischer Linienführung
2025, 780 €
„The Floating Balance“ zeigt ein Gefüge aus schwebenden Formen, feinen Linien und kleinen Bezugspunkten. Auf dem intensiven gelben Grund entsteht ein Bildraum, der zugleich leicht, rhythmisch und präzise wirkt.
Die einzelnen Elemente scheinen sich in einem Zustand des Gleichgewichts zu befinden. Manche Formen wirken schwerer, andere beinahe schwerelos. Linien verbinden, umkreisen und öffnen den Raum, ohne ihn vollständig zu schließen.
Die Komposition erzählt nicht von Stillstand, sondern von Balance als fortlaufendem Prozess. Alles scheint in Bewegung zu sein und dennoch für einen Moment gehalten. Gerade aus dieser Spannung entsteht die besondere Ruhe des Werkes.
So entwickelt „The Floating Balance“ eine Bildsprache über Leichtigkeit, Verbindung und die fragile Ordnung beweglicher Systeme. Das Werk macht sichtbar, dass Gleichgewicht nicht durch Starre entsteht, sondern durch feine Beziehungen zwischen den einzelnen Teilen.
The Quiet Dreamer
Acryl auf Leinwand, 50 × 100 cm
Zeitgenössische organisch-abstrakte Malerei mit biomorphen Formen und poetisch-narrativer Bildsprache
2025, 780 €
„The Quiet Dreamer“ zeigt eine fragile, organische Figur, die sich vor einem leuchtend gelben Hintergrund entfaltet. Farbflächen, feine Linien und kleine schwarze Punkte verbinden sich zu einer Bildsprache, die zugleich verspielt, ruhig und rätselhaft wirkt.
Die Komposition lebt von ihrer vertikalen Bewegung. Einzelne Formen scheinen aufeinander aufzubauen, sich zu berühren, zu tragen und weiterzuführen. Dabei entsteht der Eindruck eines Wesens, das nicht eindeutig festgelegt ist, sondern zwischen Körper, Zeichen und innerem Bildraum schwebt.
Die kräftigen Rot-, Blau-, Gold- und Orangetöne setzen klare Akzente, während die feinen Linien eine leise, fast tastende Bewegung durch das Bild führen. Kleine Punkte wirken wie Orientierungspunkte oder entfernte Gedanken, die mit der Figur in Verbindung stehen.
„The Quiet Dreamer“ beschäftigt sich mit Vorstellungskraft, innerer Bewegung und dem Zustand des stillen Träumens. Das Werk erzählt nicht von einer konkreten Handlung, sondern von einem offenen Zwischenraum, in dem Formen wachsen, Gedanken wandern und etwas Eigenes langsam Gestalt annimmt.
Flow Structure
Acryl auf Leinwand, 50 × 100 cm
Zeitgenössische abstrakte Malerei zwischen geometrischer Struktur und organisch‑zyklischer Bewegung
2025, 1.100 €
„Flow Structure“ untersucht das Zusammenspiel von Struktur, Bewegung und Rhythmus. Klare Formen und geschwungene Linien verbinden sich zu einer Komposition, in der Ordnung nicht als starres System erscheint, sondern als etwas Dynamisches und Wandelbares.
Die farbigen Elemente wirken wie Orientierungspunkte innerhalb eines Netzwerks von Bewegungen und Beziehungen. Linien durchqueren den Bildraum, kreuzen sich, nähern sich an und entfernen sich wieder. Dadurch entsteht ein Gefüge, das gleichermaßen von Stabilität und Veränderung geprägt ist.
Die reduzierte Formensprache lenkt den Blick auf die Beziehungen zwischen den einzelnen Elementen. Wiederkehrende Strukturen schaffen Zusammenhalt, während die offenen Verbindungen Raum für unterschiedliche Assoziationen lassen.
„Flow Structure“ bewegt sich zwischen Kontrolle und Offenheit, zwischen Ordnung und Fluss. Die Komposition lädt dazu ein, den sichtbaren Verbindungen zu folgen und die vielfältigen Beziehungen innerhalb des Bildraums immer wieder neu zu entdecken.
Circulating Structures
Acryl auf Leinwand, 50 × 100 cm
Zeitgenössische abstrakte Malerei zwischen geometrischer Struktur und organisch‑zyklischer Bewegung
2025, 1.100 €
„Circulating Structures“ bewegt sich zwischen Stabilität und Veränderung. Linien, Formen und Flächen bilden ein Gefüge, das zunächst geordnet erscheint, bei näherer Betrachtung jedoch von Bewegung und wechselseitigen Beziehungen durchzogen ist.
Wiederkehrende Elemente schaffen Rhythmus und Zusammenhalt, während feine Verschiebungen neue Spannungen entstehen lassen. Das Bild entwickelt sich so zu einem offenen System, in dem sich Struktur und Wandel gegenseitig bedingen.
Die reduzierte Farb- und Formensprache lenkt die Aufmerksamkeit auf diese Beziehungen und eröffnet einen Raum für Beobachtung und Entdeckung. Es entsteht eine Komposition, die nicht auf ein Zentrum zusteuert, sondern ihre Wirkung aus dem Zusammenspiel ihrer Teile bezieht.
So wird „Circulating Structures“ zu einer Reflexion über Vernetzung, Bewegung und die verborgenen Ordnungen, die komplexen Systemen zugrunde liegen.
Fragments of an Unknown Sky
Acryl auf Leinwand, 140 × 70 cm
Zeitgenössische geometrisch-biomorphe Abstraktion
Contemporary geometric–biomorphic abstraction
2025, 1.250 €
„Fragments of an Unknown Sky“ zeigt eine Welt aus schwebenden Fragmenten, Linien und Zeichen, die sich zu einem offenen visuellen Gefüge verbinden. Nichts scheint vollständig festgelegt, und doch entsteht aus den einzelnen Elementen ein Gefühl von Zusammenhang und innerer Ordnung.
Die Formen erinnern an Spuren, Begegnungen oder entfernte Bezugspunkte. Geschwungene Linien durchziehen den Bildraum wie unsichtbare Verbindungen und schaffen ein Netzwerk aus Beziehungen, das sich einer eindeutigen Lesart bewusst entzieht.
Zwischen den farbigen Fragmenten öffnen sich weite Räume, die nicht als Leere erscheinen, sondern als Möglichkeit. Das Bild erzählt nicht von einem bekannten Ort, sondern von der Suche nach Orientierung in einem Raum voller unbekannter Zusammenhänge.
So entwickelt „Fragments of an Unknown Sky“ eine Bildsprache, die zwischen Struktur und Vorstellung, Beobachtung und Entdeckung vermittelt und dazu einlädt, immer neue Verbindungen zwischen den sichtbaren Fragmenten entstehen zu lassen.
Between the Currents
Acryl auf Leinwand, 70 × 50 cm
Zeitgenössische figurative Malerei mit grafischer Reduktion und pop‑artiger Ästhetik
2023, 1.100 €
„Between the Currents“ zeigt zwei einander zugewandte Fische in einem offenen, wasserartigen Bildraum. Ihre großen roten Körper füllen die linke und rechte Bildseite, während zwischen ihnen ein heller Zwischenraum entsteht, in dem kleine Blasen aufsteigen.
Die Komposition lebt von diesem Raum dazwischen. Die beiden Fische nähern sich einander an, bleiben jedoch durch eine sichtbare Distanz getrennt. Dadurch entsteht eine Spannung zwischen Begegnung und Abstand, zwischen Bewegung aufeinander zu und dem Wasser, das beide umgibt.
Die kräftigen Rot- und Orangetöne der Fischkörper stehen im Kontrast zum hellen, bläulich schimmernden Hintergrund. Dunkle Linien durchziehen die Körper wie Strömungen, innere Bewegungen oder organische Muster und verleihen dem Bild eine ruhige, rhythmische Dynamik.
„Between the Currents“ beschäftigt sich mit dem Moment zwischen Annäherung und Schweben. Das Werk zeigt keine eindeutige Handlung, sondern einen Zustand des Dazwischen: zwei Fische, die sich wahrnehmen, einander zugewandt sind und dennoch von eigenen Strömungen getragen werden.
Serie
Identity & Transformation
Identity & Transformation versammelt Arbeiten, in denen Gesichter, Körper und Silhouetten als veränderliche Formen erscheinen. Identität wird nicht als feste Einheit gezeigt, sondern als Prozess aus Teilung, Verschiebung, Maskierung, Erinnerung und innerer Bewegung.
Two Within
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische figurative Malerei mit grafischer Formensprache und Einflüssen aus Kubismus und Pop Art
2024, 1.800 €
„Two Within“ zeigt ein frontal ausgerichtetes Gesicht, das durch eine klare vertikale Teilung in zwei unterschiedliche Bildhälften gegliedert ist. Kräftige Farbflächen, schwarze Konturen und eine präzise gesetzte Komposition verleihen dem Werk eine unmittelbare Präsenz.
Die beiden Augen bilden das Zentrum des Bildes. Sie wirken ähnlich angelegt und unterscheiden sich doch in Farbe, Ausdruck und innerer Gewichtung. Dadurch entsteht eine stille Spannung zwischen Spiegelung und Abweichung, zwischen Einheit und Differenz.
Die Komposition lebt von dieser kontrollierten Zweiteilung. Die linke und rechte Bildhälfte stehen einander gegenüber, ohne sich vollständig voneinander zu trennen. Aus den unterschiedlichen Farben, Formen und Verschiebungen entsteht ein Bildraum, in dem Identität als etwas Zusammengesetztes und Mehrschichtiges sichtbar wird.
„Two Within“ beschäftigt sich mit dem Nebeneinander verschiedener innerer Anteile. Das Werk zeigt kein geschlossenes Selbstbild, sondern eine Form von Präsenz, in der Gegensätze, Spiegelungen und Verschiebungen gleichzeitig bestehen. Gerade in dieser Balance aus Klarheit und Vielschichtigkeit entfaltet das Bild seine besondere Wirkung.
Two in Bloom
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische figurative Malerei mit einer klaren grafischen Formensprache und Einflüssen aus Pop Art und kubistischer Abstraktion
2025, 1.900 €
„Two in Bloom“ zeigt zwei Figuren in enger Nähe zueinander. Ihre Körper und Gesichter bestehen aus klar abgegrenzten Farbflächen, die sich berühren, überlagern und zu einer gemeinsamen Bildstruktur verbinden.
Besonders prägend sind die blütenartigen Augen. Sie verwandeln den Blick in ein florales Zeichen und lassen Wahrnehmung als etwas Lebendiges, Wachsendes und Wandelbares erscheinen. Sehen wird hier nicht als reine Beobachtung dargestellt, sondern als Prozess von Öffnung, Verbindung und innerer Bewegung.
Die Komposition lebt vom Verhältnis der beiden Figuren zueinander. Sie wirken eigenständig und zugleich miteinander verbunden. Kleine Unterschiede in Haltung, Farbigkeit und Form erzeugen eine stille Dynamik, während die Nähe der beiden Gestalten einen gemeinsamen Raum entstehen lässt.
Der dunkle Hintergrund mit den hellen Punkten verstärkt den Eindruck eines offenen, fast schwebenden Bildraums. Vor diesem Grund entfalten die leuchtenden Farben ihre besondere Präsenz und lassen die Figuren wie zwei Wesen erscheinen, die sich im selben Moment der Wahrnehmung und des Werdens befinden.
„Two in Bloom“ beschäftigt sich mit Nähe, Eigenständigkeit und gemeinsamer Entfaltung. Das Werk zeigt Verbindung nicht als Verschmelzung, sondern als lebendigen Austausch zwischen zwei unterschiedlichen Präsenzen.
Divided Identity
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische grafisch-abstrahierte figurative Malerei mit fragmentierter Porträtstruktur und Fokus auf Identität und Dualität
2023, 1.400 €
„Divided Identity“ zeigt Identität als etwas Bewegliches und Vielschichtiges. Zwei Gesichter begegnen sich im selben Bildraum, überlagern sich und bleiben dennoch eigenständig. Was trennt und was verbindet, bleibt bewusst offen.
Die Komposition lebt von klaren Linien, kräftigen Farbkontrasten und einer Vielzahl fragmentierter Formen. Die großen Augen durchziehen das Bild wie wiederkehrende Bezugspunkte und schaffen Verbindungen zwischen den einzelnen Ebenen der Darstellung.
Zwischen Sichtbarkeit und Verbergen, Nähe und Eigenständigkeit entsteht ein Spannungsfeld, das den Blick immer wieder neu durch die Komposition führt. Die Figur erscheint nicht als abgeschlossene Einheit, sondern als Geflecht unterschiedlicher Erfahrungen, Erinnerungen und Perspektiven.
So entwickelt „Divided Identity“ eine Bildwelt, in der Identität weniger als Zustand denn als fortwährender Prozess sichtbar wird.
Split I
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische pop-inspirierte abstrakt-figurative Porträtmalerei mit dualer Komposition und kontrastierender Formensprache
2022, 2.100 €
„Split I“ zeigt eine Figur, deren Gesicht und Profil in mehrere farbige Ebenen aufgespalten sind. Klare Konturen, intensive Farbflächen und gegeneinander gesetzte Blickrichtungen erzeugen eine Komposition, die zugleich präzise und fragmentiert wirkt.
Die Spannung des Werkes entsteht aus dem Nebeneinander unterschiedlicher Perspektiven. Ein Auge richtet sich nach vorn, ein anderes scheint sich zur Seite oder nach innen zu wenden. Dadurch entsteht ein Bildraum, in dem Identität nicht als geschlossene Form erscheint, sondern als Zusammenspiel verschiedener Ansichten, Rollen und innerer Zustände.
Die leuchtenden Farben und die grafische Reduktion verleihen dem Werk eine unmittelbare Präsenz. Gleichzeitig öffnen die Überlagerungen und Verschiebungen eine zweite Ebene, in der Fragen nach Wahrnehmung, Wandel und Selbstbild sichtbar werden.
„Split I“ bewegt sich zwischen Gesicht und Maske, zwischen äußerer Erscheinung und innerer Vielschichtigkeit. Das Werk macht sichtbar, wie Identität aus Brüchen, Perspektivwechseln und gegensätzlichen Anteilen entsteht, ohne ihre Gesamtform vollständig zu verlieren.
Split II
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische pop-inspirierte abstrakt-figurative Porträtmalerei mit geschichteter Dualität
2022, 2.100 €
„Split II“ begegnet dem Blick frontal. Aus kräftigen Farbflächen, klaren Linien und einer fast symmetrischen Ordnung entsteht ein Gesicht, das zugleich stabil und vielschichtig wirkt.
Die Komposition lebt von der Spannung zwischen Ausgewogenheit und innerer Teilung. Farben und Formen fügen sich zu einer geschlossenen Gestalt, während einzelne Bereiche unterschiedliche Perspektiven, Zustände und Facetten sichtbar machen.
Die Augen stehen im Zentrum des Bildes. Sie halten die Komposition zusammen und öffnen zugleich einen Raum zwischen Nähe und Distanz. Was sichtbar wird, ist nicht nur ein Gesicht, sondern eine verdichtete Form von Präsenz.
So entwickelt „Split II“ eine Bildsprache, die Identität als etwas Zusammengesetztes und zugleich Behauptetes zeigt. Das Werk wirkt ruhig, klar und konzentriert, trägt jedoch unter seiner Oberfläche eine spürbare innere Spannung.
Serial Identity
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische pop-inspirierte minimalistische abstrakt-figurative Malerei mit serieller Komposition und ikonischer Formensprache
2022, 1.300 €
„Serial Identity“ zeigt Identität als Wiederholung. Vier maskenhafte Formen stehen in klar getrennten Farbfeldern und wirken zugleich ähnlich und verschieden. Jede Form besitzt eine eigene Farbwelt, bleibt aber Teil eines übergeordneten Musters.
Die Reduktion auf Maske, Öffnung und Fläche verleiht dem Werk eine starke, fast zeichenhafte Präsenz. Sichtbarkeit entsteht hier nicht durch Offenlegung, sondern durch Verhüllung. Was gezeigt wird, ist eine Oberfläche, eine Rolle, ein Schutzraum.
Die seriellen Wiederholungen lassen die Frage entstehen, wo Individualität beginnt und wo sie sich in Muster, Pose oder Projektion verwandelt. Die Figuren bleiben anonym und behaupten gerade dadurch eine eigene Form von Präsenz.
So entwickelt „Serial Identity“ eine Bildsprache über Sichtbarkeit, Distanz und kontrollierte Erscheinung. Das Werk zeigt Identität nicht als feste Wahrheit, sondern als etwas, das sich zeigt, verbirgt und in Wiederholung verändert.
Shifting Faces
Acryl auf Leinwand, 120 × 100 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit grafisch‑expressiver und fließender Bildsprache.
2021, 1.600 €
„Shifting Faces“ erzählt von Gesichtern im Wandel. Formen, Linien und Farben greifen ineinander, verschieben sich und lassen mehrere Erscheinungen gleichzeitig sichtbar werden.
Die großen Augenformen wirken wie wiederkehrende Bezugspunkte innerhalb der Komposition. Sie halten den Blick fest und führen ihn zugleich weiter durch ein Geflecht aus roten, blauen, gelben und schwarzen Flächen. Nichts erscheint vollständig abgeschlossen; jedes Element scheint Teil einer Bewegung zu sein.
Die Bildsprache bewegt sich zwischen Gesicht und Maske, zwischen Wiedererkennbarkeit und Auflösung. Was auf den ersten Blick klar erscheint, verändert sich mit der Betrachtung und eröffnet immer neue Beziehungen zwischen den einzelnen Formen.
So entwickelt „Shifting Faces“ eine Bildwelt, in der Identität nicht als Zustand, sondern als fortwährende Verschiebung erfahrbar wird. Das Werk verbindet grafische Klarheit mit innerer Bewegung und macht sichtbar, dass jedes Gesicht mehr als eine einzige Lesart in sich trägt.
Out of Shape
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische grafisch-abstrahierte Porträtmalerei mit fragmentierter Form und reduzierter Komposition
2024, 1.350 €
„Out of Shape“ zeigt eine Gestalt, die aus ihrer gewohnten Ordnung herausgetreten ist. Ein Gesicht bleibt sichtbar, doch seine Formen haben sich verschoben, ausgedehnt und neu zusammengesetzt.
Die klaren Linien halten die Komposition zusammen, während die fragmentierten Farbflächen eine Bewegung erzeugen, die sich jeder festen Zuordnung entzieht. Was vertraut erscheint, wirkt zugleich verändert. Was als Einheit lesbar bleibt, zeigt seine Brüche.
Der intensive rote Hintergrund schafft einen konzentrierten Raum, in dem die Figur beinahe schwebend hervortritt. Die Reduktion verstärkt die Wirkung: Nichts lenkt vom eigentlichen Thema ab, der Veränderung von Form, Wahrnehmung und Identität.
So entwickelt „Out of Shape“ eine Bildsprache, die zwischen Wiedererkennbarkeit und Verschiebung steht. Das Werk macht sichtbar, dass Identität nicht nur aus klaren Konturen besteht, sondern auch aus Brüchen, Übergängen und Momenten der Verformung.
Scale of the Self
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische minimalistische abstrakt-figurative Malerei mit ikonischer Silhouettenform und reduzierter Farbpalette
2022, 1.300 €
„Scale of the Self“ macht Ausdehnung sichtbar. Eine schwarze, stark reduzierte Körperform spannt sich über den Bildraum und tritt in Beziehung zu klar getrennten Flächen aus Blau, Grau und Weiß.
Die Figur scheint sich zu strecken, zu behaupten und zugleich an Grenzen zu stoßen. Ihre Form bleibt erkennbar, wirkt jedoch überzeichnet, gedehnt und aus dem Gleichgewicht gebracht. Gerade dadurch entsteht eine Bildsprache, die weniger einen Körper beschreibt als ein Verhältnis: zwischen Innen und Außen, zwischen Selbst und Raum, zwischen Begrenzung und Erweiterung.
Die weißen Aussparungen öffnen die kompakte schwarze Form und geben ihr Durchlässigkeit. Sie wirken wie innere Räume innerhalb einer ansonsten geschlossenen Silhouette. So entsteht eine Spannung zwischen Schwere und Öffnung, zwischen Präsenz und Leerstelle.
„Scale of the Self“ erzählt nicht von Identität als festem Zustand, sondern von ihrem Maßstab. Das Werk fragt danach, wie viel Raum ein Selbst einnimmt, wie weit es sich ausdehnt und an welchen Punkten es beginnt, seine eigene Form zu verändern.
Color Within Her
Acryl auf Leinwand, 50 × 70 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit expressivem Duktus; ein Porträt zwischen Auflösung, Farbe und Präsenz
2019, 1.200 €
„Color Within Her“ bewegt sich zwischen figurativer Darstellung und freiem malerischem Ausdruck. Aus kraftvollen Farbflächen und gestischen Pinselspuren entsteht das Bild einer Figur, deren Präsenz sich unmittelbar erschließt und zugleich offen für unterschiedliche Deutungen bleibt.
Die Farbe übernimmt dabei eine zentrale Rolle. Sie beschreibt nicht nur Form und Raum, sondern wird selbst zum Ausdrucksträger. Überlagerungen, Kontraste und sichtbare Spuren des Malprozesses verleihen der Figur eine lebendige Vielschichtigkeit und lassen innere Zustände ebenso sichtbar werden wie die materielle Qualität der Malerei.
Zwischen Gegenständlichkeit und Auflösung entsteht eine besondere Spannung: Die Figur bleibt erkennbar, entzieht sich jedoch einer eindeutigen Festlegung. Dadurch öffnet das Werk einen Raum für Assoziationen und persönliche Wahrnehmungen.
„Color Within Her“ ist eine Auseinandersetzung mit Identität, Präsenz und Veränderung. Das Werk verbindet die Unmittelbarkeit des Porträts mit der Offenheit abstrakter Malerei und entwickelt daraus eine Bildsprache von großer Ausdruckskraft.
Under the Blue Hat
Acryl auf Leinwand, 50 × 70 cm
Zeitgenössische, expressive Porträtmalerei eines Kindes, die Figuration mit farblicher Transformation verbindet
2019, 1.100 €
„Under the Blue Hat“ zeigt ein Kindergesicht unter einem großen blauen Hut. Vor dem leuchtend gelben Hintergrund entsteht eine unmittelbare Präsenz, die durch die intensive Farbigkeit und die expressive Malweise verstärkt wird.
Das Gesicht bleibt klar erkennbar, wird jedoch durch farbige Überlagerungen, sichtbare Pinselspuren und offene Übergänge in eine lebendige, malerische Struktur eingebunden. Grün-, Gelb-, Rot-, Blau- und Violetttöne durchziehen Gesicht, Kleidung und Hut und verleihen dem Werk eine vielschichtige Oberfläche.
Der blaue Hut nimmt eine zentrale Rolle ein. Er schützt, rahmt und überlagert zugleich die Figur. Seine Größe bestimmt die obere Bildhälfte und setzt einen starken Kontrast zum warmen gelben Hintergrund. Dadurch entsteht eine Spannung zwischen kindlicher Direktheit und der kraftvollen Präsenz der Malerei.
„Under the Blue Hat“ beschäftigt sich mit der Wahrnehmung eines kindlichen Moments, ohne diesen eindeutig festzulegen. Das Werk zeigt kein idealisiertes Kinderporträt, sondern eine offene Annäherung an Präsenz, Fragilität und Ausdruck. Zwischen Erkennbarkeit und malerischer Auflösung entsteht ein Bild, das Farbe, Blick und Form zu einer eigenständigen Darstellung verdichtet.
Inner Bloom
Acryl auf Leinwand, 100 × 120 cm
Zeitgenössische figurative Malerei an der Schnittstelle von Abstraktion, Expressionismus und punktueller Bildstruktur
2022, 1.700 €
„Inner Bloom“ erzählt von einem inneren Aufblühen. Über einer ruhenden Figur entfaltet sich eine große, schwebende Wolke aus farbigen Punkten, die wie Gedanken, Erinnerungen, Stimmen und Möglichkeiten in den Raum steigen.
Die Komposition verbindet körperliche Präsenz mit innerer Ausdehnung. Während die Figur am unteren Bildrand konzentriert und in sich gesammelt erscheint, öffnet sich darüber ein vielstimmiger Raum aus Farbe, Bewegung und Vorstellungskraft. Aus innerer Verdichtung entsteht sichtbare Fülle.
In diesem Spannungsfeld eröffnet das Werk eine zeitgenössische Perspektive auf Weiblichkeit: nicht als festgelegtes Bild, nicht als Zuschreibung von außen, sondern als vielschichtiger innerer Raum. Weiblichkeit erscheint hier als etwas Eigenständiges, Wandelbares und Kraftvolles, das sich nicht begrenzen lässt.
Die vielen einzelnen Farbpunkte bilden kein geschlossenes Muster, sondern einen lebendigen Gedanken- und Erfahrungsraum. Jeder Punkt bleibt für sich sichtbar und wird zugleich Teil eines größeren Ganzen. So entsteht ein Bild über Vielfalt, Erinnerung, Wachstum und die Kraft dessen, was im Verborgenen entsteht.
„Inner Bloom“ macht sichtbar, wie aus Stille Fülle entstehen kann. Das Werk spricht von innerem Wachstum, von Selbstwahrnehmung und von Momenten, in denen etwas Unsichtbares beginnt, Gestalt anzunehmen.
Serie
Embers / Hitzewelten
Die Arbeiten der Gruppe Embers konzentrieren sich auf Farbe, Materialität und gespeicherte Energie. Rot-, Gold- und Erdtöne verdichten sich zu abstrakten Bildräumen, in denen Glut, Wärme, Transformation und innere Bewegung sichtbar werden.
Inner Ember
Acryl auf Leinwand, 120 × 100 cm
Materialbetonte, informelle Abstraktion mit Fokus auf Energie, Transformation und physische Präsenz
2022, 2.000 €
„Inner Ember“ entfaltet seine Wirkung aus einer dichten, vielschichtigen Farboberfläche. Rot-, Gold- und dunkle Erdtöne überlagern sich zu einem Bildraum, der an Glut, Hitze und gespeicherte Energie erinnert.
Die Komposition verzichtet auf erkennbare Formen und konzentriert sich ganz auf Farbe, Struktur und Tiefe. Helle Partien treten aus dunkleren Schichten hervor, ohne sich vollständig zu lösen. Dadurch entsteht der Eindruck eines inneren Leuchtens, das nicht nach außen drängt, sondern unter der Oberfläche weiterwirkt.
Die Oberfläche lädt zu einer langsamen Betrachtung ein. Aus der Distanz erscheint das Werk als ruhiger, intensiver Farbraum; aus der Nähe werden feine Spuren, Verdichtungen und Übergänge sichtbar, die dem Bild eine lebendige Tiefe verleihen.
„Inner Ember“ beschäftigt sich mit verborgener Energie, innerer Sammlung und dem Moment vor der Entfaltung. Das Werk wirkt nicht durch Bewegung nach außen, sondern durch Konzentration, Wärme und die stille Kraft eines Glühens, das im Inneren weiterbesteht.
Ignited Ember
Acryl auf Leinwand, 140 × 70 cm
Materialbetonte, informelle Abstraktion mit Fokus auf Energie, Transformation und physische Präsenz
2022, 2.200 €
„Ignited Ember“ zeigt kein äußeres Feuer, sondern ein Glühen von innen. Rot, Orange und Gold überlagern sich zu einem dichten Farbraum, in dem Licht und Dunkelheit ineinander übergehen.
Die Oberfläche wirkt bewegt, als läge unter ihr eine Energie, die sich langsam ihren Weg nach außen bahnt. Helle Stellen brechen aus tieferen Farbschichten hervor und erinnern an Glut, die nicht erlischt, sondern weiter unter der Oberfläche arbeitet.
Das Bild lebt von dieser Spannung zwischen Ruhe und innerer Aktivität. Es gibt keine eindeutige Form vor, sondern eröffnet einen Raum aus Wärme, Tiefe und atmosphärischer Verdichtung.
So wird „Ignited Ember“ zu einer Arbeit über gespeicherte Energie, verborgene Bewegung und das stille Aufleuchten eines Moments, der gerade erst beginnt, sichtbar zu werden.
Serie
Stripe Creatures
Stripe Creatures zeigt stilisierte Tierfiguren mit klarer Formensprache, kräftiger Farbigkeit und hohem Wiedererkennungswert. Die Arbeiten bewegen sich zwischen Pop-Art, grafischer Reduktion und charakterhafter Tierdarstellung. Humor, Zeichenhaftigkeit und visuelle Direktheit verbinden sich zu eigenständigen Bildfiguren.
The Stripe Cat
Acryl auf Leinwand, 70 × 140 cm
Pop-art-inspirierte, grafisch reduzierte Tierillustration mit ikonischem Streifenmotiv
2020, 2.000 €
„The Stripe Cat“ zeigt eine stilisierte Katzenfigur, die frontal und nahezu zeichenhaft vor einem intensiven roten Hintergrund erscheint. Klare schwarze Konturen, große weiße Augen und farbige Streifen verleihen dem Werk eine unmittelbare Wiedererkennbarkeit.
Die Komposition lebt von ihrer Reduktion und ihrer spielerischen Direktheit. Die Figur wirkt einfach und klar aufgebaut, entwickelt jedoch durch die rhythmische Abfolge der Streifen, die asymmetrischen Details und den konzentrierten Blick eine eigene, charakterhafte Präsenz.
Die kräftige Farbigkeit verbindet Pop-Art-nahe Leichtigkeit mit einer sehr eigenständigen Bildsprache. Rot, Grün, Orange, Schwarz, Weiß und helle Blautöne treten in einen lebendigen Kontrast und machen die Figur zugleich humorvoll, fremdartig und unverwechselbar.
„The Stripe Cat“ bewegt sich zwischen Tierfigur, Zeichen und Charakter. Das Werk erzählt nicht von einer konkreten Szene, sondern von einer Präsenz, die unmittelbar in den Raum tritt. Gerade aus dieser Mischung aus Klarheit, Humor und grafischer Kraft entsteht seine besondere Wirkung.
The Stripe Dog
Acryl auf Leinwand, 70 × 140 cm
Pop-art-inspirierte, grafisch abstrahierte Tiermalerei mit ikonischer Streifenstruktur und asymmetrischer Formgebung
2020, 2.300 €
„The Stripe Dog“ zeigt eine stilisierte Hundefigur, die mit großen Augen, markanten Ohren und einem farbintensiven Streifenmuster vor einem leuchtend roten Hintergrund erscheint. Klare schwarze Konturen und kräftige Farbflächen verleihen dem Werk eine unmittelbare grafische Präsenz.
Die Figur wirkt zugleich reduziert und charaktervoll. Der leicht verschobene Aufbau des Kopfes, die asymmetrische Farbverteilung und die großen, offenen Augen erzeugen eine eigenständige Bildwirkung, die zwischen Humor, Neugier und stiller Beobachtung oszilliert.
Das Streifenmotiv verbindet die unterschiedlichen Körperbereiche zu einem rhythmischen Ganzen. Rot, Blau, Gelb, Grün, Schwarz und Weiß treten in lebendige Kontraste und lassen die Figur wie ein eigenständiges Zeichen erscheinen. Trotz der spielerischen Direktheit entwickelt das Werk eine klare, wiedererkennbare Formensprache.
„The Stripe Dog“ bewegt sich zwischen Tierfigur, Pop-Art und visuellem Charakter. Das Werk erzählt nicht von einer konkreten Szene, sondern von einer Präsenz, die unmittelbar in den Raum tritt. Gerade aus der Verbindung von Klarheit, Farbe und humorvoller Eigenständigkeit entsteht seine besondere Wirkung.
Bold Bull
Acryl auf Leinwand, 50 × 70 cm
Zeitgenössische figurative Malerei mit kubistisch‑geometrischer Abstraktion und pop‑artiger Farbästhetik
2022, 1.250 €
„Bold Bull“ zeigt einen Stierkopf, der aus klaren geometrischen Formen, kräftigen Farbflächen und markanten schwarzen Konturen aufgebaut ist. Die großen weißen Hörner, die weit geöffneten Augen und die kantig gesetzten Gesichtspartien verleihen dem Werk eine unmittelbare Präsenz.
Die Darstellung verzichtet auf naturalistische Details und verdichtet das Motiv zu einem eigenständigen Zeichen. Gelb, Blau, Rot, Grün, Schwarz und Weiß treten in starke Kontraste und erzeugen eine Bildwirkung, die zugleich direkt, spielerisch und kraftvoll erscheint.
Besonders prägend ist der Blick des Stiers. Die Augen richten die Aufmerksamkeit unmittelbar auf das Motiv und geben der Figur eine lebendige, fast charakterhafte Eigenständigkeit. Zwischen Stärke, Wachheit und einer subtilen Leichtigkeit entsteht eine Spannung, die dem Werk seine besondere Ausdruckskraft verleiht.
„Bold Bull“ bewegt sich zwischen Tierfigur, Symbol und visuellem Charakter. Das Werk erzählt keine Szene, sondern konzentriert sich ganz auf Haltung, Form und Ausdruck. Gerade aus dieser Reduktion entsteht eine Bildsprache, die klar, wiedererkennbar und zugleich offen für unterschiedliche Deutungen bleibt.
The Giraffe Society
Acryl auf Leinwand, 70 × 100 cm
Zeitgenössische figurative Malerei mit pop‑artiger Ästhetik und neo‑primitiven Einflüssen
2020, 1.200 €
„The Giraffe Society“ zeigt drei Giraffenfiguren, die wie eine eigenwillige Gemeinschaft im Bildraum auftreten. Jede Figur besitzt eine eigene Haltung, Farbigkeit und Präsenz, bleibt jedoch Teil einer gemeinsamen Szene, die zwischen Humor, Beobachtung und stiller Inszenierung bewegt ist.
Die Komposition lebt von der aufrechten, vertikalen Struktur der langen Hälse und dem spielerischen Umgang mit Accessoires, Farben und Ausdruck. Sonnenbrillen, farbige Punkte und markante Kopfformen verleihen den Figuren eine fast charakterhafte Eigenständigkeit. Dadurch entsteht eine Bildwelt, die unmittelbar zugänglich wirkt und zugleich Raum für eigene Geschichten lässt.
Trotz der Leichtigkeit des Motivs geht es nicht nur um eine humorvolle Tierdarstellung. Die Gruppe lässt sich auch als Bild sozialer Rollen, Zugehörigkeit und individueller Selbstdarstellung lesen. Jede Figur scheint sich auf eigene Weise zu behaupten, während das Zusammenspiel der drei eine kleine, geschlossene Gesellschaft entstehen lässt.
„The Giraffe Society“ verbindet spielerische Direktheit mit einer klaren, wiedererkennbaren Bildsprache. Das Werk erzählt von Individualität innerhalb einer Gruppe, von Haltung, Präsenz und der feinen Komik sozialer Begegnungen.
Serie
Eigenständige Bildwelten
Eigenständige Bildwelten versammelt Arbeiten, die einzelne Themen und formale Ansätze außerhalb der größeren Werkgruppen weiterführen. Die Werke öffnen zusätzliche Perspektiven auf Gemeinschaft, Körperlichkeit, Naturform, Symbolik und Verbindung.
United in Diversity
Acryl auf Leinwand, 70 × 140 cm
Zeitgenössische figurativ-abstrahierte Malerei mit serieller Struktur und ornamentaler Differenzierung
2022, 1.700 €
„United in Diversity“ zeigt fünf stilisierte Figuren, die in einer klaren, horizontalen Ordnung nebeneinanderstehen. Jede Figur besitzt eine eigene Form, Farbigkeit und Musterstruktur und bleibt dennoch Teil eines gemeinsamen Bildgefüges.
Die Komposition lebt vom Zusammenspiel von Wiederholung und Unterschied. Die aufrechte Haltung der Figuren schafft einen ruhigen Rhythmus, während die individuell gestalteten Oberflächen Vielfalt, Eigenständigkeit und innere Bewegung sichtbar machen. Keine Figur gleicht der anderen, und doch entsteht zwischen ihnen ein spürbarer Zusammenhalt.
Der warme, erdig strukturierte Hintergrund verleiht dem Werk Tiefe und lässt die Figuren wie Zeichen einer gemeinsamen Präsenz hervortreten. Die reduzierte Formensprache steht dabei im Kontrast zur reichen Binnenstruktur aus Streifen, Punkten, farbigen Flächen und grafischen Elementen.
„United in Diversity“ beschäftigt sich mit dem Verhältnis von Individualität und Gemeinschaft. Das Werk zeigt Vielfalt nicht als Gegensatz zur Einheit, sondern als deren Voraussetzung. Gerade aus den Unterschieden entsteht eine gemeinsame Ordnung, die ruhig, offen und zugleich kraftvoll wirkt.
Soft Mycelium
Acryl auf Leinwand, 50 × 70 cm
Zeitgenössische figurative Abstraktion mit biomorpher, körperlich‑organischer Formensprache und mykologischer Referenz
2023, 1.300 €
„Soft Mycelium“ bewegt sich zwischen organischer Form und abstrahierter Körperlichkeit. Drei weich gewölbte Formen treten aus einem dunklen Grund hervor und erinnern zugleich an Pilzstrukturen, an Wachstum und an weibliche Körperzeichen.
Die Komposition lebt von ihrer Zurückhaltung. Helle, sanft gebogene Flächen treffen auf dunkle Unterseiten und schmale, fast fragile Stiele. Die roten Akzente markieren die Spitzen der Formen und verleihen dem Bild eine klare, sinnliche Präsenz, ohne die Darstellung eindeutig festzulegen.
Gerade diese Ambivalenz prägt die Wirkung des Werkes. Was zunächst wie eine stille Naturform erscheint, öffnet sich bei längerer Betrachtung zu einer Auseinandersetzung mit Weiblichkeit, Körper, Schutz und Sichtbarkeit. Die Formen bleiben abstrahiert und vermeiden jede direkte Darstellung, bewahren aber eine körperliche Spannung.
„Soft Mycelium“ spricht von Wachstum, Verbundenheit und weiblicher Präsenz in einer reduzierten, beinahe leisen Bildsprache. Das Werk entfaltet seine Kraft nicht durch Offenlegung, sondern durch Andeutung, Balance und die Spannung zwischen Naturform und Körperform.